Lo mejor de 2015

Se termina el año y el balance otra vez es positivo. Agradecemos a todos los amigos que nos siguen; que se identifican con lo decimos y aman lo que nosotros amamos. Es decir: el arte.

Por Rubén Reveco

Licenciado en Artes Plásticas

En esta fecha, ofrecemos un resumen de los conceptos más relevantes del año que se va. Es para refrescarnos la memoria y reiterar que por más talento que tengan los artistas, también deben saber defender lo que hacen.

"Horrible"

Hasta hoy, "horrible" era una palabra vedada en el mundo del arte. Es necesario reivindicarla sin complejos ni miedos de ningún tipo.
Te puede gustar o no gustar una obra de arte, pero el "no me gusta" (también eliminado de facebook) siempre lo debes minimizar; ser amable con el artista y decir "no entiendo". Siempre es preferible pasar por ignorante que por mal educado. Pero como de la mala educación a la ignorancia hay sólo un paso, después de decir "no entiendo", debes agregar: "No sé lo que quiso decir el artista". De esa forma ponemos al artista en un nivel superior al nuestro; un ser que maneja ideas, formas y conceptos que no están a nuestro alcances de comprensión.

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Los fotógrafos quieren ser artistas

El MNBA, de Neuquén, acaba de inaugurar dos muestras de fotografía. Un lenguaje expresivo que parece haber ocupado el lugar de la pintura realista y ganado el ingreso sin censura a los templos del arte contemporáneo.
¿Qué ha sucedido? La llegada de la fotografía en el siglo XIX y el paulatino desinterés de los artistas por lo que pasa a su alrededor ha provocado en la historia del arte esta singularidad marcada por el encuentro y desencuentro entre arte y fotografía.

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¿Por qué odian a los talentosos?

El odio es un sentimiento jodido en las artes plásticas. No se manifiesta ni se hace público por un asunto de pudor, pero existe. Fomentado por los oportunistas que han logrado (gracias a varios factores) usufructuar un lugar reservado sólo a unos pocos, el odio está dirigido particularmente a esas personas que nacen con talento; esa condición sinequanon de las artes.

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¿Qué pasa con Rodrigo Alonso?

Hace 7 meses que se convocó a los artistas neuquinos a participar del Neuquén Contemporáneo, edición 2015. En dicha ocasión se presentó al lic. Rodrigo Alonso como el receptor y seleccionador de los proyectos. A la fecha, el malestar entre los artistas neuquinos participantes apunta en una sola dirección.

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Entrevista a Manuel Castillero Ramírez

"¡Han sido dos días de infarto!", expresa Manuel Castillero Ramírez. Y no es para menos, ya que ganar el primer premio en pintura de Figurativa `15, implica además de un reconocimiento estimulante, un compromiso mayor con el arte. Con estos concursos, el realismo vuelve al primer plano y los artistas que eligen el camino más difícil ya no se sienten tan solos navegando el las siempre turbulentas aguas del arte contemporáneo. 

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Los estudiantes no tienen la culpa

Al entrar al Museo Gregorio Álvarez mi primera impresión fue que había inaugurado el "Neuquén Contemporáneo", pero no, eran alumnos de la Escuela Superior de Bellas Artes de Neuquén.
Esto de convertir objetos comunes y corrientes en arte ya me está resultando un fastidio. Por donde miro me encuentro con una potencial obra de arte: lápiz, celular, carpeta, facturas impagas, parlantes, escuadra, tarjeta personal, pendrive, más facturas impagas, etc, etc. Es cosa que escribamos un relato que sostenga a la "obra" y ya está. Así de fácil.
Yo también sufrí un sistema educativo totalmente desorientado. Cuando estudiaba el profesor nos instigaba a expresarnos y se iba a tomar un café que podía durar una hora. Quedábamos mirándonos unos a otros sin saber qué hacer.

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"Neuquén Contemporáneo 2015": Faltaron ideas

El viernes 20 de noviembre se inauguró la segunda edición del Neuquén Contemporáneo, en esta oportunidad el eje temático fue la “Energía” en sus diferentes expresiones.

Neuquén fue una fiesta. En cada estación una verdadera procesión cultural fue develando lo que proponían como arte quienes se sienten modernos, contemporáneos y artistas. De casi cien realizadores en escena rescatamos sólo algunas propuestas. Poco y nada que nos motorice algo parecido a una emoción.

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El diario ABC Color entrevista a Avelina Lesper

Desata polémicas y abofetea a comisarios, galeristas, críticos y artistas con sus artículos y conferencias. Hace un par de años le preguntó a la autora de una instalación: «¿Consideras que un balde de agua es arte porque agrega un comentario tuyo a la realidad?» Penosamente, la artista balbuceó bajo las cámaras de Milenio TV. La temida inquisidora, luego de agradecer sus respuestas y despedirla, la remató sin pestañear: «Estamos en la época en que la mera intención hace arte de un balde. Para mí, esto no es arte». La filmación, alzada en YouTube, se hizo viral de inmediato. Es la archienemiga del «arte contemporáneo VIP», aclamada y repudiada en el mundo entero, y hoy entrevistada por nuestro reportero de guerra, Samuel Bossini, en exclusiva para los lectores del Suplemento Cultural. Ladies & Gentlemen, con ustedes… Avelina Lésper.

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Ver también resumen de 2014

El desnudo del día: Rubén Reveco

No suelo publicar pinturas mías en una selección de lo que más me gusta, pero como hoy es el último día del año y esta pintura ("Modelo y flores") sí me gusta, he hecho esta excepción.

Es una de mis obras que más me ha costado resolver (dos años de trabajo) y si no fuese por un asunto que limitaría con lo patológico, la seguiría retocando. Pero ya está. 
¡Feliz Año para todos!

Arantzazu Martínez, belleza cinematográfica

Arantzazu Martínez estudia Bellas Artes en la Universidad del País Vasco, trasladándose posteriormente a Nueva York para estudiar en The New York Ademy of Art. Entra a formar parte del Water Street Atelier donde conoce a Jacob Collins y permanece bajo su instrucción hasta el año 2005, periodo en el cual adquiere su formación según los métodos tradicionales académicos de la pintura del Siglo XIX.

Su pintura está caracterizada por el realismo y simbolismo de sus figuras. Actualmente algunas de sus obras se encuentran en la colección del Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) en Barcelona. 

Encontramos en su trabajo unas composiciones muy cuidadas, una técnica académica donde el tratamiento de la figura humana y de la luz son excepcionales y una temática cercana al romanticismo y al simbolismo.

La capacidad de recrear un mundo onírico donde la magia y la fantasía forman parte de la realidad es un nexo de unión en su pintura. Estas cualidades han conseguido que su obra sea reconocida internacionalmente y forme ya parte de proyectos como Star Wars Visions de Lucasfilm Ltd. en el 2009 y La Imagen de Rusia 2012, proyecto en el que ha participado representando a España.

Tras licenciarse en la Universidad del País Vasco en el 2000 se trasladó a Nueva York en busca de una formación académica.

Allí asistió a la Academia de Arte Figurativo de Nueva York (NYAA) graduándose en el 2002 con la obtención del Master de las Bellas Artes.
Ese mismo año conoció a su mentor Jacob Collins, fundador de Water Street Atelier, The Hudson River Fellowship y The Grand Central Academy.

Permaneció bajo su instrucción hasta el año 2005 en el Water Street Atelier, donde completó su formación siguiendo el método académico de aprendizaje del siglo XIX.

La mayor parte de su trabajo pertenece a colecciones privadas pero podemos ver algunas de sus pinturas en el Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM), en Barcelona, España.

La pintora favorita de George Lucas

George Lucas pidió a artistas de todo el mundo cuadros inspirados por el universo de Star Wars. Una de las contribuciones más espectaculares, Rancor, fue un óleo de la española Arantzazu Martínez. Impresionados por la calidad de su cuadro, Cinemanía (suplemento de cine del diario El País) contactó con ella hace unas semanas para saber más sobre su participación en Star Wars Art: Visions y descubrir algunos secretos sobre el funcionamiento de Lucasfilm.
“El encargo de pintar este cuadro me llegó por correo electrónico”, recuerda Arantzazu (Vitoria, 1977). “Cuando me encontré un mensaje de Lucasfilm Ltd. en mi buzón no daba crédito, pero era una oferta tan seria y firme que lo leí unas cuantas veces para convencerme”.

“Cuando finalmente les di mi teléfono y me llamaron, el responsable del proyecto, Jonathan Rinzler, me contó que George Lucas en persona se había interesado en mi trabajo. En cuestión de horas concretamos plazos y características del encargo”.

“Indagando un poco, creo que debió ver algunos de mis cuadros en concursos de arte figurativo en los que participé mientras estudiaba en Nueva York. Estuve en varias escuelas, pero casi todo lo aprendí en Waterstreet, junto a Jacob Collins, un pintor que utiliza las mismas técnicas que se enseñaban en el siglo XVIII”.

“Por cuestiones de edad, en el cine sólo vi de estreno El retorno del Jedi. Supongo que por eso elegí a Rancor (el monstruo de Jabba al que Luke Skywalker se enfrenta al comienzo de la película) como protagonista de mi cuadro. En su día me resultó espeluznante, me dio muchísimo miedo. Es la primera vez que hago un monstruo, aunque en el resto de mi obra sí que hay elementos de fantasía como ángeles o representaciones de cuentos”.

“La chica del cuadro no es Leia ni Padmé ni una bailarina de Jabba, es una mujer cualquiera de ese universo. Después de ver dos propuestas, George fue quien sugirió que la chica vistiera un traje más ornamentado, más cercano al que se luciría en una corte dieciochesca. Me inspiré en uno que vestía Assumpta Serna en El rey pasmado. Por cierto, siempre trabajo con modelos, y la chica que posó para este cuadro es la dueña del bar que hay junto a mi estudio”.

“Buscaba una imagen rotunda e icónica, porque los pintores realistas solemos perdernos en detalles. Quería que fuese sencilla y a la vez tuviera los suficientes detalles para lucirme”.

“Estuve seis meses trabajando en este cuadro con dedicación casi exclusiva. Lucasfilm se reservó el derecho de compra de todos los cuadros encargados y un porcentaje sobre las ventas a particulares; el mío han decidido quedárselo, lo que me pone muy contenta”.

“Lo peor fue esa incertidumbre en la que vives cuando un cuadro tiene que hacer un viaje tan largo. Cruzas los dedos para saber que ha llegado bien. Y no, no vino a recogerlo un escuadrón de stormtroopers ni nada parecido”.

“A raíz de este encargo, un particular me ha encargado un retrato de Red Sonja, la compañera de Conan. ¿Qué es lo próximo que me gustaría pintar? Una Mina Harkeren la línea de la que aparecía en el Drácula de Francis Ford Coppola, aunque la combinaré con la del libro original y algunos elementos propios”.

El desnudo del día: Antonio Guzmán Capel

Este desnudo es de Antonio Guzmán Capel, pintor español que nació en 1960. Si bien su temática es muy tradicionalista, acertó con esta pintura. La belleza del cuerpo humano no debe ser condicionada por una cara bonita. Prescindir de la cabeza, los brazos y el resto de las extremidades es de una audacia voyeurista pocas veces vista. Basta y sobra para que nuestro corazón palpite más y mejor.

El desnudo del día: Ron Schwerin

Schwerin nació en Estados Unidos en 1940. Es un pintor que se destaca por sus desnudos femeninos. Casi a partir de un molde, nos da la impresión de un tratamiento de color un poco duro y lleva a que sus figuras por momento parezcan esculturas de madera, a la mejor manera de Tamara de Lempicka. Cuando uno conoce el conjunto de su obra, comprende que esta forma de realizar es premeditada; es lo que el artista pretende para su obra.

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En desnudo del día: Johann Baptist Reiter

Johann Baptist Reiter (1813-1890) como se puede leer vivió en el siglo XIX. En este espacio que está dedicado al realismo contemporáneo y preferentemente a los artistas que están vivos, esta entrega constituye una excepción. Más que nada para hablar sobre cómo se trabajaba hasta el siglo XIX. La veladura inventada en el Renacimiento permitió crear una atmósfera indefinida y una profundidad en el color que la mayoría de los realistas del siglo XXI han soslayado. En los detalles que muestro se puede apreciar con mucha facilidad.  

El desnudo del día: Costa Dvorezky

El tema de los amantes (o las amantes, como en este caso) es poco habitual en la pintura y esta es una de las que más me gusta. En un formato vertical dos cuerpos desnudos están entrelazados en pleno éxtasis. Pequeñas pinceladas de luz le dan un brillo especial a los protagonistas (a veces con tan poco se logran grandes resultados). Blanco, rosa, marrón. ocres; todos los colores en una gama cromática muy armónica.

Costa Dvorezky es un joven pintor ruso que nos propone esta osada pintura. 

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El artista

En desnudo del día: Luciano Ventrone

Ya me había ocupado de este gran pintor italiano (1942) atraído especialmente por sus bodegones y naturalezas muertas. Pero hoy me encontré con algunos desnudos y me gustó especialmente el que muestro en esta oportunidad.

Maneja muy bien los contrastes (blanco y negro) los pliegues de la camisa son una delicadeza y la piel con su evidente tersura invitan al tacto. Además de un impecable dibujo, también destaco es el uso de la luz sobre los objetos a representar. Muy fino.

Web

Entrevista a Javier Arizabalo García

En una entrevista exclusiva conversamos con el artista francés Javier Arizabalo García sobre su propuesta pictórica. Su obra es un festival de realismo al extremo en donde impera el movimiento lento y la energía calma.

Por Camila Reveco

camilareveco.mza@gmail.com 

Cuando una pintura impacta y alucina la pregunta que se hace el espectador frente al asombro es ineludible: ¿Cómo lo hizo? Como si aquello increíble que se nos presenta ante los ojos, no pudiera lograrlo una persona común y corriente con un pincel en la mano.

Claro está que la duda no mitiga el desconcierto frente al virtuosismo y despliegue técnico de los grandes pintores; en el arte simplemente se admira lo que se ve. Es lo que sucede frente a la obra del pintor Javier Arizabalo García nacido en San Juan de Luz, -Francia- en 1965 y radicado en Irun, al norte de España.

Su extraordinario oficio evidencia el enigma propio de la creación artística. Hoy, el pintor, licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, ocupa un lugar de relevancia en el ambiente de la pintura realista contemporánea.

Su trabajo, junto al de toda una nueva generación de nuevos artistas de impecable factura, pone de manifiesto la manera en que el realismo ha sabido transmitir a lo largo de la historia nuevas ideas, mutar y re-configurarse, trascendiendo de lo meramente representativo.

“La excusa de la realidad representa un reto y una emoción”, explica nuestro artista y agrega: “En mi práctica necesito las formas naturales en las que asirme".

La pintura sin límites de Arizabalo García demuestra que, a pesar del contexto hostil en el que reina la mercantilización y la banalidad de las distintas corrientes estilísticas de moda, el arte sigue teniendo sentido y ganas de perdurar. “Lo contemporáneo sólo es una borrachera de elementos, el devenir apartará lo superfluo”, concluye.

-¿Se imaginó de niño como pintor?
-No me acuerdo, yo creo que lo que me imaginaba era ser aceptado, recibir cariño y recompensas por lo que hacía, aunque el pintar o dibujar también me resultaba un refugio. Sólo los mayores pueden introducir la idea de un oficio.

-Ciertos aspectos técnicos se resuelven a través del tiempo ¿Cómo ha sido su proceso?
-Por supuesto que hay aspectos técnicos que cambian desde la época en que uno va aprendiendo a “escribir” imágenes a cuando se tiene que acoplar al medio sociocultural. Pero lo que me mueve en la práctica es la apropiación y mantenimiento de las imágenes emocionantes. En mi práctica habitual esto se encuentra muy camuflado, uno se prostituye al aceptar encargos o a mantener una “coherencia” artística de cara a las galerías o al público general y sus gustos. Me quedaría pintando aspectos emocionantes para mí, como un modo de contemplación y de acción, de pequeñas cosas de la vida. Admiro a las personas que hacen obras y discursos complejos que funcionan y que apabullan, ¿a veces igual alguna obra mía lo puede ser?, pero no me siento del todo cómodo. De vez en cuando me permito un pequeño detalle de paz y disfrute, ahí es donde mi espíritu se encuentra.

-Su pintura tiene una energía calma ¿refleja su personalidad?
-Es cierto, hay personas que se fijan en la mentalidad, sobretodo en esta época en que se destacan estos aspectos, pero lo que hacemos demuestra nuestra energía y su cualidad. El músico y compositor Wim Meertens hace hincapié en cómo esta energía condiciona su expresión, se ve perfectamente en un arte que se desarrolla en el tiempo en cuerdas percudidas (piano). En una pintura que camufla la expresividad de la pasta pictórica, por la sujeción a la idea de realidad -como la que suelo realizar- la pincelada está casi oculta y el color muy mezclado y sujeto al color local. La energía, aquí, se manifiesta en la lentitud, en la temática, en las poses, en un cierto equilibrio, en las luces,… Sí que me refleja a mí, soy de baja energía.

-Muchos artistas reproducen el estereotipo de belleza imperante pero usted parece distanciarse y representa con frecuencia a personas mayores ¿Celebra el paso del tiempo?-Si bien los estereotipos que nos vienen de la moda, las revistas o de otros entornos hacen hincapié en cuerpos lisos, juveniles, estos cuerpos me resultan poco interesantes en la reproducción de las calidades de la piel, es una cuestión formal; aunque no me importa decir que lo que representa una persona mayor con sus vivencias e imperfecciones es más rico y personal.

-Otras veces centra toda su atención en una flor o en una mano ¿Cómo decide “que” pintar?

-Más bien escojo configuraciones de luz que permitan ver los objetos de manera atractiva, volumétrica, pictórica, fotográfica. En esas posiciones cualquier objeto o sujeto es visto con interés. El que se tiene más cerca puede ser el elegido, u otro que corresponda a algún contexto. Lo que me suelo fijar es en las condiciones de la luz, si escojo una luz natural y como ésta resbala por el motivo -en el caso de que lo haga con luz artificial-, hago pruebas hasta dar con la que me convence, como se ha hecho en la pintura a partir del renacimiento. En la práctica contemporánea a veces el artista no sabe iluminar o escoger las condiciones, otras veces la apariencia de “espontaneidad” es buscada, porque forma parte de un código, aunque aun así se puede saber quién lo controla y quien no, es lo mismo que en la fotografía, en el cine o el video.

-¿Por qué eligió al realismo para expresarse?
-Las personas que me enseñaron trabajaban la plástica de esta manera. Ya en la carrera, lógicamente, pude ver otras tendencias, y aunque las reconozco y aprecio, en mi práctica necesito las formas naturales en las que asirme. No se mantener mi interés y concentración en un espacio de infinitas posibilidades durante mucho tiempo, no me motiva, por ello la excusa de la realidad representa un reto y una emoción.
-¿Cuál es el panorama del realismo en España?
-Pocos países pueden tener algo comparable al Prado, esto forma parte de nuestra herencia cultural. El resto de hechos en el pasado reciente también han permitido abonar un campo extenso del que hemos bebido varias generaciones, y que hace que por lo conseguido se nos envidie. Pueden plantearse conjunciones geográficas, históricas, de carácter para entender la fuerza del realismo o de otras corrientes de artes, aunque como otros profesionales tenemos que salir fuera para poder ganar el jornal. En España hay un desastre que no sólo es el del gobierno, ministerial.

-¿También se refleja en la escena artística?

-El desastre es universitario, de museos, de favoritismos, de mezquindades, de mafias, de especuladores, de vendedores de mantas, de incultos, de zánganos, de pedantes; quizás gracias a ello vamos contracorriente e intentamos asomar la cabeza aquí y allí, aunque nos menosprecien. Creo que cuanto más difícil nos lo pongan más nos esforzaremos. El MEAM de Barcelona o la Fundación Arcilla, por hablar de los más recientes, son las apuestas que desde la iniciativa privada han tenido que salir para que llegue a la sociedad el impulso del realismo, ahora tenemos que seguir siendo críticos y aportar algo interesante al momento actual.

- Se piensa de los artistas que son excéntricos o que llevan una vida “desordenada”, pero más allá de los estereotipos ¿hay algo de locura en esto de dedicarse a pintar?

-Un profesional lo es en cualquier profesión, se dicen tantas tonterías al respecto. Hay ideas alrededor del personaje que pueden hacer vender su obra pero ¿tiene que ver con esta? Yo, personalmente, ni soy adorador de mitos ni me interesan los chismes. Sólo algo que tenga que ver con el contexto histórico me puede resultar de interés. Funcionamos con prejuicios, ¿no es tan loco o más dedicarse a la matemática y plantear problemas hipotéticos, o a la filosofía y pensar qué es lo que somos? Dedicarse a pintar, dibujar, esculpir, fotografiar, hacer video, cómic, gráficos, música, danza, teatro, etc… es reflexionar, interpretar y objetivar la realidad, jugar con ella, crear contextos, sugerir nuevos objetos o sujetos. Esto tiene una aplicación directa en la vida práctica, es con lo que hacemos las ideas y las relaciones de nosotros y el mundo.

-¿Qué opina de las corrientes contemporáneas que, alejadas de la pintura, tienen que ser “decodificadas” a través de la palabra de un curador?

-Toda actividad humana experimentada, aprendida y codificada es susceptible de convertirse en arte. A partir de un cierto momento de desarrollo social surgen los decodificadores, interpretadores y evaluadores de las “creaciones” o acciones, de lo que el hombre hace. En la sociedad actual se magnifica hasta la más mínima nimiedad o basura y los anteriormente mencionados son los encargados de hacerlo, ya que en ello les va el sueldo. De entre todo lo que se muestra, una pequeña cantidad tiene valor, porque tiene arte, alguien lo ha elaborado habilidosamente y decantado para que nos sea útil o sea capaz de movilizar eficazmente emociones, pensamientos. Lo contemporáneo sólo es una borrachera de elementos, el devenir apartará lo superfluo.

-¿Qué connotación adquiere para usted la palabra “éxito”? 

-Es un éxito que muchas personas de aquí y de allá les guste o incluso adquieran con su dinero obras mías, una pintura es un artículo de lujo. El artista puede permanecer ajeno a este milagro que sólo vuelve a ser consciente cuando aparecen épocas más austeras.

- ¿Conoce Argentina? ¿Qué pintores destaca de nuestro país y de nuestro continente?

-No conozco Argentina, es una pena porque desde hace unos cuantos años no he tomado aviones por miedo, no sé si volveré a hacerlo. De pintores argentinos destaco a Alejandro Rosemberg, al que le tengo mucho aprecio y a Diego Gravinese, que también recuerdo de topármelo en búsquedas por Internet, por lo demás lamento no tener más referencias argentinas. Ya de América entera los primeros que me vienen a la mente son Gabriela Machado de Brasil, el ya fallecido chileno Claudio Bravo, y los estadounidenses Jacob Collins y Daniel Sprick. Si me pusiera a pensar más despacio la lista sería larga.

-La mezcla de culturas entre España y América data de 1492; mucho más adelante... Argentina promueve una gran ola inmigratoria ¿Cree que nos une una tradición pictórica entre ambos países?

- Tendría que conocer la cultura Argentina para poder decirlo. Pienso que todo lo que ha pasado a lo largo de los dos siglos, desde que España y Argentina caminan por separado, hace que seamos muy diferentes, a pesar de que compartamos un idioma común. Aun así, muchos argentinos sienten España como una madre, y también muchos españoles y vascos emigrados tuvieron en Argentina otra patria. Con respecto a la pintura, la explosión informativa de las últimas décadas hace que cada vez estamos todos más cerca de una cultura global, y que la expresión pictórica se influencie más por la propia cultura, el resto de las artes y su nivel de desarrollo unidos a la economía.

El artista