PRONTO: Lo mejor y lo peor del MNBA de Neuquén

De acuerdo a lo establecido por el Consejo Internacional de Museos (ICOM), órgano de la UNESCO, el museo se define como:

"Una institución permanente, sin fines de lucro, al servicio de la sociedad y de su desarrollo, y abierta al público, que se ocupa de la adquisición, conservación, investigación, transmisión de información y exposición de testimonios materiales de los individuos y su medio ambiente, con fines de estudio, educación y recreación".

¿Qué es un museo y cuáles son sus funciones?

1) Coleccionar: Cada museo debe tener una política clara sobre su colección que especifique el tiempo, tema y la extensión de la misma. La colección es el instrumento de enseñanza más valioso del museo y en muchos casos, su razón de ser.
2) Conservar: Un museo tiene el deber fundamental de velar por su colección. Conservar no significa únicamente el mantenimiento físico de un objeto. Implica también la seguridad o forma de protegerlos, así como los debidos registros y acopios que cada museo debe tener para garantizar que los objetos no se pierdan ni se deterioren.
3) Estudiar: La investigación es un examen profundo de la colección, que tiene como meta descubrir la mayor cantidad de información posible sobre los objetos que la componen. Esta labor repercute en la función educativa, puesto que el público se beneficia al recibir información más acertada.
4) Exhibir: El complemento final de las funciones antes mencionadas es la exhibición. EI museo debe poner a la disposición del publico su colección, debidamente conservada, y proporcionarle información sobre la misma, producto de sus investigaciones.
5.- Educar o interpretar: Dentro del contexto museístico, la enseñanza se lleva a cabo por medio de la colección, utilizando como instrumento la observación crítica y, donde sea posible, la percepción multisensorial. Este tipo de enseñanza práctica, complementa la teórica y permite que el visitante deduzca información del objeto en sí, directamente.

Pronto

Como se ve, las funciones de un museo son varias y muy buenas. Próximamente nos ocuparemos de una en particular: la colección en exhibición del MNBA de Neuquén.

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Resistencia Realista Argentina

Todos quieren hacer negocio con Vincent van Gogh

Fotografía y autorretrato de Vincent van Gogh.

Hoy se cumplen 125 años de la muerte del pintor holandés Vincent van Gogh. A cualquier estudiante de arte su leyenda de pintor pobre y loco le impacta fuertemente. Sin embargo, con los años se comienza a descubrir un complejo y morboso sistema especulativo que ha hecho de Van Gogh una de sus víctimas preferidas.

Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas

El famoso escritor francés Guy de Maupassant escribió en 1885 El Buen Mozo (Bel Ami). En una parte del libro dialogan el dueño del diario La Vie Francaise y George Duroy (el protagonista). El primero le muestra su colección de pinturas y le dice:

“Este es mi salón. Ahora estoy comprando pinturas de los jóvenes, de los más jóvenes y las guardo en mis habitaciones íntimas, en espera de que sus autores sean célebres.

Y añadió muy bajito:
-Este es el momento de adquirir cuadros. Los pintores se mueren de hambre. No tienen un céntimo…”

Este fragmento revelador pone fin al mecenazgo filantrópico en las artes y marca el punto de partida a la especulación financiera. De ahí en más, la pintura, en especial, dejará de apreciarse como un objeto artístico para pasar a ser un bien de mercado. Esto impulsará a una puja que llevará a la producción de los impresionistas a ser valorizada cada año en subastas y remates.

Vincent van Gogh ha sido la víctima preferida. Una, por la cantidad de obra producida y otra, por su leyenda trágica. De algún modo los opuestos de "no vendió ni una sola pintura en su vida" y los valores millonarios en que se venden ahora, hacen que el morbo sea un disparador que ayuda a que toda noticia de un nuevo récord en una de sus pinturas nos llegue como una fuerte bofetada. A tal extremo, que muchos creen que el valor especulativo de sus obras está íntimamente relacionado con su valor artístico. Mientras más caro creen que es mejor.

Los mercaderes han hecho de ese pintor sufrido y querido en nuestros años de estudiante, el paradigma de los especuladores.

Hay un cuadro suyo entre los diez más caros del mundo: "El Retrato del Doctor Gachet" hoy vale casi cien millones de dólares.

“Lo curioso es que prácticamente nadie lo conocía cuando murió”, dice el director del Museo Van Gogh de Amsterdam, Axel Rüger. A 125 años de su muerte, las cosas cambiaron: la cara de Van Gogh ilustra desde camisetas a tazas de té, mientras que en las paredes de numerosas casas cuelgan reproducciones de sus Girasoles y sus obras sirven de inspiración en las pasarelas de alta costura y en aplicaciones de smartphones. 

En inglés

En español

¿Por qué León Ferrari no me gusta?

Actualmente se está realizando una exposición en Buenos Aires sobre su obra. En el Mamba, desde luego.

Esta "vaca sagrada" del arte contemporáneo argentino es muy mala. Sé que para muchos esto que digo puede resultar iconoplasta. ¿Cómo se va a tirar contra León sin el riesgo de salir rasguñado? Pero resulta que nuestro supuesto artista reivindicó con su obra una forma de protestar contra ciertos valores culturales de Occidente. ¿Cuál podría ser el problema -entonces- que se lo critique del mismo modo?

Por Rubén Reveco. Licenciado en Artes Plásticas

No sabía dibujar y era un pésimo artista plástico, pero supo estar en el momento y lugar exacto y adecuado. Desde que regresó definitivamente a la Argentina en 1991, León Ferrari (1920-2013) realizó el circuito ideal de cualquier artista contemporáneo: 

1) En 1995 obtuvo la beca Guggenheim. En 2006 fue invitado especial en la Bienal San Pablo.

2) En 2007, su obra más reconocida, La Civilización Occidental y Cristiana, creada en 1965, ganó el León de Oro en la 52º Bienal de Venecia.

3) En 2009 el MoMA exhibió una retrospectiva de su obra que se presentó luego en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid.

4) En 2012 recibió el Premio Konex de Brillante al artista más destacado de la década en la Argentina y el de Platino en la disciplina Arte Conceptual: Quinquenio 2002 - 2006. También obtuvo un Premio Konex Diploma al Mérito en 1992 y 2002.

Lástima que el Instituto de Tella ya no existe porque sino le seguiría poniendo plata como lo hizo en la década del´60.

Todos estas instituciones -más la prensa aduladora- hicieron de este pobre hombre -junto a Marta Minujín- la apoteosis del arte contemporáneo que protesta contra lo establecido (se critican ellos mismo, que son lo establecido). 

Su fuerte crítica a la Iglesia Católica causó gran controversia en la Argentina, generando un intenso debate sobre arte y libertad de expresión en el que estuvo involucrado el Papa Francisco, Jorge Bergoglio, en aquel momento arzobispo de Buenos Aires.

Su obra más controvertida: "La Civilización Occidental y Cristiana", presenta a un Cristo crucificado sobre un bombardero estadounidense. De más está decir que ni el avión ni el Cristo fueron creados por Ferrari; es sólo un ensamble de piezas.

Canapé a gusto de curadores 

"En Ferrari hay un rol provocativo y escandaloso que algunos tratan de soslayar, pero que es fundamental para que el mundo del arte no se alimente solo en el mundo del arte, que perfore esa burbuja de expertos y realmente tenga resonancias en el resto de la sociedad", así se expresa Andrés Duprat. Este es un supuesto artista, funcionario político-cultural y curador (esos que han enfermado al arte).  Pero se equivoca ya que nadie trata de soslayar lo "provocativo y escandaloso"; el arte contemporáneo vive de eso. Al no haber arte, el escándalo es lo que lo sostiene. De no existir escándalo, León Ferrari no existiría.

Considerando que "Civilización Occidental y Cristiana" tuvo tanto "éxito", le siguió una serie de objetos intervenidos de igual temática. Pero claro, ya no sería lo mismo.

Su gran aporte al MNBA de Neuquén. A pesar de ser una escultura para ser tocada y que los fierros al tocarse emitan un sonido, las autoridades del museo le agregaron un cartelito de "no tocar".

Se mira pero no se toca

"Quisiera remitirme a un ejemplo de este "desacierto"; en la Patagonia, en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) de la ciudad de Neuquén.

En el interior del museo, en el hall de acceso, hay una de las numerosas esculturas sonora del artista León Ferrari titulada "Berimbau" (1980-2005) -su interpretación del instrumento de origen angolano que el artista materializó en diversas versiones desde 1980- que consiste en una majestuosa pieza con base de madera y varas de acero clavadas en ella, la cual fue pensada expresamente para que el público pudiera tocarlas, ya que en ese acercamiento literal y físico, radicaba su magia.

De hecho, varias esculturas sonoras construidas por Ferrari han sido emplazadas al aire libre, redoblando así la intención de sacudirse del corset procedimental que en general plantean las instituciones museísticas, en lo que se refiere al cuidado y la exhibición de las obras.

Es el caso por ejemplo, del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) que exhibió durante un tiempo una escultura en la terraza, o el Parque de la memoria ubicado en Buenos Aires, a orillas del Río de la Plata, que desde marzo de este año alberga otra de las esculturas sonoras.

En el MNBA de Neuquén en cambio, la escultura sonora tiene un rotundo cartel: "Se ruega no tocar las obras". Cuando consulté a uno de los empleados del museo sobre esta prohibición me especificó que sólo la pueden tocar quienes en compañía de un guía hayan optado por la visita guiada o bien personas con discapacidades, como los ciegos, ejemplificó; así las cosas, el artefacto permanece "mudo" la mayor parte del tiempo.

Consulté su opinión sobre esta situación a la especialista en arte Florencia Battiti, curadora de la muestra de León Ferrari "Brailles y relecturas de la Biblia", que tuvo lugar en el Malba este año. Allí se expusieron obras de la serie "Brailles", en la que el artista trabajó sobre reproducciones de imágenes religiosas, eróticas o provenientes de la historia del arte, e incluye textos en braille tomados de la Biblia o de escritores. Todas obras pensadas para ser tocadas.

Battiti consideró que la decisión de impedir que se toque una obra que fue pensada precisamente para brillar a través de la interacción con el público es una clara contradicción a la esencia de la misma, desde la intención de su artista.

Si bien las obras no son creaturas que deban rendir pleitesía a todo lo que sus constructores determinen, pues una vez que son expuestas, se lanzan y exponen a los diversos usos que otros puedan darle, ya que dicha libertad permite que la interpretación de las obras sea tan abierta como intérpretes haya, también es preciso señalar que hay artefactos, como ocurre con las esculturas sonoras que requieren necesariamente la interacción, desde la simbiosis entre ellas y su público.

En mi opinión, los museos que exhiben arte contemporáneo deben estar dispuestos a acompañar su dinamismo y su intención "disruptiva" con respecto a muchos de los engranajes que componen a la institución "arte"; deben estar dispuestos entonces a permitir, entre otras cosas, no sólo mirar sino también tocar".

Texto de María José Melendo  (UNC-UNRN-Conicet). Publicado en el diario Río Negro.

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Resistencia Realista Argentina

Manuel Castillero: El pintor ganador de Figurativa `15

La obra ganadora. "The day in which silence reigned in Congress" 

(El día en que el silencio reinó en el Congreso).

Por fin se conoció el ganador de Figurativa `15, uno de los concursos de pintura y escultura realista más importante del mundo, evento organizado por el Museo Europeo de Arte Moderno, de Barcelona, España (MEAM). El ganador en pintura es Manuel Castillero. 
Nuestras felicitaciones al artista y a los organizadores.

El artista.

Manuel Castillero Ramírez nació en Córdoba, España, el 2 de noviembre de 1976. Cursó estudios de dibujo publicitario en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba. Participó en los cursos de paisajismo y retrato con Antonio Povedano entre los años 1994 y 1997. Ha impartido clases de pintura en Madrid con Miguel Acevedo. Su obra ha estado presente en exposiciones colectivas en Madrid, Málaga y Córdoba (en dos ocasiones como finalista del certamen Maestro Mateo). Entre sus autores de referencia sitúa a Antonio López y Richard Estes.
Ha obtenido el primer premio en el concurso "Segovia patrimonio de la humanidad", primer premio Universidad de Osuna, primer premio en el certamen Martín Carpena (Málaga), entre varios otros. Su obra está en colecciones de Estados Unidos, Alemania, Francia y Australia.

El ‪jurado‬ del concurso Figurativas 2015 en el MEAM (Museu Europeu d'Art Modern). De izquierda a derecha: Daniel Graves (pintor y fundador de The Florence Academy of Art), Leandro Navarro (galerista), Lita Cabellut (pintora), Odd Nerdrum (pintor), José Manuel Infiesta (arquitecto y presidente de la Fundación de las Artes y los Artistas), Antonio López (pintor), Santiago S. Echeberria (galerista), Tomás Paredes (crítico de arte) y Richard Estes (pintor).

Ver entrevista

Menciones de Honor:

Jorge Abbad-Jaime de Aragón Córdoba, Mujer Sentada.

Charles Villeneuve, Rive Gauche.

Fausto Martín, Vistazo desde el interior.

Jaime, Routley, The world pulse beats beyond my door.

Jan Mikulka, In the Park.

Wim Heldens, Cats & Dogs.

Ver también artículo La Vanguardia


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El jurado deliberando

Kiéra Malone, sensibilidad y erotismo

Kiéra Malone es una pintora francesa que nos presenta una obra llena de sensibilidad y erotismo a partes iguales y que deja reflejado en sus retratos y sus desnudos. Pinturas al óleo, dibujos al carboncillo, pastel seco. Sus diferentes estilos se combinan en una conjunción perfecta que rodea todo su trabajo. Kiéra nos absorbe tanto con sus retratos de hombres y mujeres, como con sus pinturas étnicas o su fauna. Todo tiene cabida en la obra de esta artista que en ningún momento desentona con el conjunto. Una perfecta aplicación de técnica y color que hace que el espectador entre en ese mundo sensible que ella nos plantea.

FUENTE

“El amor, la ternura, la inocencia, la bondad, la fragilidad… una sonrisa, una mirada, una lagrima… son mis fuentes de inspiración!… me alimento de cada expresión… sacando del corazón la eterna búsqueda del otro.” (Kiéra Malone).

Sobre hiperrealismo y técnica

...tengo la impresión de que existe una corriente actual (creo que de orden global gracias al internet) que surge como respuesta al arte abstracto, y esta corriente tiene como piedra angular la reproducción realista orientada especialmente a la reproducción del cuerpo humano (Hay que recordar que en sus inicios, el hiperrealismo estaba orientado especialmente a objetos inanimados y paisajes urbanos, Charles Sheeler, William Harnett, etc.) pero, si bien esta tendencia de la reproducción del cuerpo humano ha sido una constante en la historia de la pintura, creo que la técnica nunca había tenido la relevancia que tiene en la actualidad, ya que es casi un punto de competencia si no para el artista si para la mayoría del público, aunque obviamente mucha gente, entre ellos supongo yo, los que somos asiduos visitantes de tu blog, buscamos en una pintura elementos mas allá de la pura técnica, (Digamos la composición, la gama cromática, los simbolismos, que se yo)...

...también es cierto que muchísima gente opta por la percepción fácil e inmediata, esto es la técnica pura y dura y se ha vuelto hábito entre el público de los figurativos juzgar un cuadro por la calidad del pincel del artista, entonces se vuelve el hiperrealismo una competencia que a veces deja de lado otros elementos importantes en el quehacer artístico, por poner algunos ejemplos de este mismo blog, dire: “Rob Hefferan – Elegante Pintura Emotiva” cuya obra tiene una manufactura impresionante especialmente en el manejo de telas pero que como composición no aporta mucho mas que la fotografía del estilo, con esto no quiero decir que el pintor o los pintores realistas trabajen condicionados por la opinión del público pero si que existe una difusión que antepone la calidad del acabado a cualquier otra cualidad y dicha difusión constituye la punta de lanza de la corriente figurativa de la que hablo, que obliga a los autores a crear un sello propio pero basado en la técnica mas que en el contenido...

...por ejemplo, Nathalie Vogel y sus paisajes marinos, Alisa Monks y su reproducción del agua, Atsushi Suwa y su uso de las texturas, en estos tres casos el valor plástico es innegable e impresionante, pero existe la constante de la técnica como valor primordial del trabajo, si bien Monks consigue acabados impresionantes no hay mucho mas que analizar que la pincelada con un atisbo de simbolismos apenas insinuados, no así el caso de Aaron Nagel, que no solo tiene la técnica de un hiperrealista sino que la utiliza en composiciones complejas repletas de contenidos simbolico/religiosos que se prestan mas a una lectura extensa mas allá de la técnica, ni hablar de Gottfried Helnwein, cuyo hiperrealismo brutal apenas nos da un respiro antes de sumergirnos en análisis humanos tanto de sus personajes como de nosotros como espectadores, pero, hasta este punto uno diría “Finalmente la técnica…” 

...hay en la corriente realista una vanguerdia que evoluciona rápidamente asumiendo en la técnica hiperrealista un valor secundario, pienso yo muy similar a lo que paso con Rembrandt, que tras pintar cuadros de una perfección asombrosa (Hay que ver su autorretrato hacia 1629 donde se pueden observar los poros de la piel) al final de su vida el trabajo de su pincel es grueso y casi esbozado, menospreciando el detalle por la fuerza de la brocahada gruesa y la mancha de pintura, es obvio que Rembrandt podría haber seguido con su técnica de un realismo acongojante pero el elige no hacerlo y esta lección del Holandés se refleja en algunos realistas que optan por arriesgarse a la falta de refinamiento, como menciona Albert, en el post de Malone (este) ya sin hablar solo de los desnudos podemos ver el cambio de pincelada, primero algo timido en Lucia y luego arrollador en Mome, logrando una variante del estilo realista que tiene por ejemplo en el mencionado Odalisque, que bien podría, por su técnica y temática, competir con los pintores que mencione anteriormente y lo que es peor, incluso confundirse con ellos.

Este estilo, variante del hiperrealismo creo que es la variante mas importante en cuanto aspecto técnico ya que hace uso de los colores y la fuerza de la pincelada para dar energía y crear representaciones de la realidad comprensible pero no textual, por ejemplo Jason Shawn Alexander, Christiaan Lieverse, Pier Toffoletti, Zhang Haiying, cuyo estilo carece de refinamiento, me atrevería decir a propósito y le dota de un sello inconfundible precisamente por esto, sello del que llegan a carecer algunos hiperrealistas de técnica perfecta pero temática repetitiva, casi siempre orientados a exaltar e idolatrar la belleza (femenina la mas de las veces).

Ya para terminar creo que hay que mencionar un autor que hasta ahora es mi favorito de todos aquellos que has puesto en tu excelente blog, Odd Nerdrum, quién, a mi humilde entender, nos da una patada obligándonos a reflexionar sobre el arte en lienzos perfectos en todo el sentido académico del arte pero que no dejan de ser transgresores al presentarnos escenas atrevidas y de un estilo personalisimo, que distan mucho del hiperrealismo fotográfico, casi tanto como se alejan de la pintura abstracta, creando, en pleno siglo XXI un autor atemporal como debería de ser, dicen los que saben, los genios del arte.

(Comentario de Ian publicado en el blog de Enkil)

Entrevista a Carlos Montero Gil en el diario Los Andes

"Paula"

El artista español cuenta con una obra pictórica que refleja paisajes y escenas de la vida en Murcia, su ciudad natal. Admirador de Antonio Berni y de contemporáneos como Ciruelo, se destaca por sus impresionantes pinturas en tablones de cedro.

Por Camila Reveco - Diario Los Andes

Para el artista Carlos Montero Gil, pintor de paisajes y escenas de la vida urbana, el entorno es el disparador clave de todo su trabajo. Aquello que ve todos los días, el ambiente del que forma parte, las calles y su bullicio congelado, son los temas presentes en su rigurosa obra pictórica, que parecen apelar constantemente a la ciudad del español, nacido en Murcia en 1971. Entretanto aparecen los niños y su universo lúdico, la nostalgia y el afecto por los juguetes antiguos. 

“No hay nada más triste que pintar lo que no has vivido”, reconoce Montero Gil, que siempre ha mantenido el interés por representar las pequeñas cosas, los momentos efímeros y anónimos con los que el espectador se siente identificado de manera espontánea.
Su concepto hace alusión a ese permanente estado de encantamiento con el que miran el mundo los artistas, esa capacidad “de verlo todo como si fuera la primera vez y crearlo de nuevo”, en palabras del compositor Gustav Mahler. La propuesta de Carlos Montero Gil establece conexiones con el tiempo y refleja su identidad como pintor español contemporáneo. Se trata de un artista con un imaginario consistente.
“Cuando era apenas un adolescente entré como aprendiz en un taller dedicado a la escultura tradicional en cartón, siempre estaba rodeado de pintores y escultores. Me gustó tanto aquello que cuando salía de trabajar iba corriendo, a seguir formándome, a una academia de pintura”, relata el artista español, que ha desarrollado desde sus inicios el oficio de esculpir y pintar de forma paralela.
De ese taller formó parte durante ocho años y luego tomó la decisión de estudiar escultura en la Escuela de Arte de Murcia. “Hasta que un buen día -agrega- empecé a presentarme a los certámenes de pintura al aire libre que son muy comunes en España, donde aprendí de muchos artistas. Ese mismo año ya fui premiado y tuve claro hacia dónde enfocar mi futuro artístico”.
El pintor destaca que, de toda la formación que obtuvo, la que recibió por parte del gran maestro Antonio López lo marcó de forma significativa: “Es uno de los realistas más importantes de este tiempo”, remarca. 

- Sobre su relación con el realismo ¿siempre su búsqueda estuvo enmarcada dentro de este estilo?

-Sí, en general sí, aunque disfruto igual observando una obra realista como otra abstracta. Hay demasiado buen y mal arte como para ceñirse a un solo movimiento. Cuando miro una obra lo que busco es que me sorprendan y me muestren algo original. En mi última exposición incluí en el catálogo una frase de Renoir que decía algo así como: “Uno debe de vez en cuando intentar cosas que están más allá de su capacidad”. Siempre defenderé a cualquiera que haga esto independientemente de su estilo. 

-¿Qué piensa? ¿El talento se hereda o se adquiere?

-Como todo en la vida, creo que nacemos con unas facultades más desarrolladas para unas cosas que para otras, si bien es cierto que soy de los que cree en el trabajo. En el tiempo que llevo dedicado a esto he visto en algunas personas una progresión impresionante y eso se consigue con esfuerzo. También he visto la otra parte: artistas que tienen un don especial, que te dejan con la boca abierta, puro talento. Independientemente de esa capacidad creo que la pasión es la respuesta, hay que cultivar ese don, porque como decía Picasso: “Detenerse es perecer”.

- ¿Cómo es su proceso creativo? ¿Se levanta y pinta lo que se le pasa por la cabeza, o por el contrario, piensa y planifica su trabajo?

-Casi siempre parto de una idea, ésta a veces viene sola y otras me pasó horas pensando e indagando. Normalmente me gusta tenerlo todo atado antes de empezar, el problema es que en la pintura al final es ella la que te lleva donde quiere y muchas veces varía de lo que tenías planificado. Pero eso al fin y al cabo ¡es lo fascinante del arte!

-Representa con frecuencia paisajes y escenas de la vida urbana. ¿El entorno es lo que más te inspira?

-Sí, somos parte de lo que nos rodea y en buena parte somos lo que vemos. Siempre he querido transportar al espectador a esos momentos que he vivido. No hay nada más triste que pintar lo que no has sentido, es un vacío que no se puede describir. 

- Pinta además figura humana sobre tablones, es original el soporte y la perspectiva que elige…

-Todo viene de la escultura, siempre me ha fascinado la madera. Tallaba sobre tablones de cedro y un buen día me quedé observando uno de ellos, sentí que quería pintar algo ahí. Tenía claro que quería dejar vista parte de ella porque cada veta es casi una historia, tiene algo mágico. Comencé a hacer bocetos y no me convencía ninguno hasta que di con la perspectiva adecuada, que fue la que hizo darle sentido a todo.

- ¿Cómo ha impactado la crisis que se vive en España en el escenario de las artes plásticas? 

-Pues hemos pasado las de Caín; el desempleo creció y los sueldos bajaron, el nivel adquisitivo es menor, con lo cual se compra menos. Además, el impuesto cultural subió del 8% al 21%. Si miro el lado positivo pienso que, si de algo ha servido esta crisis, ha sido para reinventarse a sí mismo. La mayoría de los artistas están dando lo mejor de cada uno, y la creatividad aflora por todos lados. 

-¿Qué opina del ambiente pictórico latinoamericano y qué talentos destaca? 

-Creo que gracias a internet el nivel artístico en general ha crecido; nos empapamos unos de otros y eso es muy bueno. Estuve a punto de exponer en Argentina con un grupo de artistas pero el proyecto quedó en el aire. Sería maravilloso poder presentar mi trabajo allí, ahí lo lanzo por si alguien recoge el guante. Entre los artistas argentinos que más admiro se encuentra Antonio Berni, es increíble cómo trabaja la figura, resulta atrayente la variedad de expresiones distintas que podía captar. Sin duda fue un hombre al que admirar por su pintura y su compromiso social. También me quedo con el ilustrador Ciruelo al que sigo desde hace muchos años. Respecto a los artistas latinoamericanos actuales me gustaría nombrar a Edgar Noé Mendoza, para no perderse su realismo mágico.

-¿Proyectos que esté encarando?

-Ahora mismo estoy inmerso en un proyecto, “Sótano” en el que tratamos de darle una vuelta de tuerca a lo que es una galería tradicional. Un proyecto en el que estamos trabajando varios artistas (Álvaro Peña, Cristóbal Pérez, Marcos Amorós, Patricia Gómez, Silvia Viñao). Estoy preparando también una nueva exposición en la Galería Léucade con Diego Inglés en el que vamos a intentar fusionar su escultura con mi pintura. 

-¿Cuál es la historia de la obra que seleccionó para ilustrar esta entrevista? 

-Este cuadro que os presento se titula “Paula”, es un óleo sobre tablones de nogal de 85 x 85cm. Desde que empecé a pintar siempre me gustó representar niños, quizá porque me devuelven a mi infancia, una época que recuerdo con especial cariño y que compartía con mis hermanos, pues pertenezco a una familia numerosa. En este caso represento a Paula, mi sobrina. La he pintado desde que ella era un bebé, pero han sido retratos en formato y soporte habituales, sin embargo, siempre había tenido la sensación de que estos cuadros no terminaban de reflejar el espíritu de la niña. Quería crear algo que rompiera con esas dos dimensiones y tuviera vida propia, que representara realmente su pequeña personalidad, su vitalidad. 

Después de darle muchas vueltas y hacer varios bocetos, comprendí que si quería darle vida tenía que utilizar un soporte también vivo. Elegí los tablones de madera, en este caso el nogal, así como el color rojo que predomina en la obra dándole una sensación de fuerza y viveza. Gracias a estos soportes, mi técnica, más tradicional, resulta más contemporánea, más fresca en el ambiente en el que se desarrolla. También lanza un mensaje: los juguetes que aparecen con la niña son considerados aún hoy día como juguetes de niños varones, creo que esa idea está obsoleta y es hora de cambiarla, por lo que el cuadro además de un retrato es un llamamiento a la igualdad de género. 

Perfil

Carlos Montero Gil nació el 16 de noviembre de 1971 en Murcia, España.

Reconocimientos:
1º Premio de Pintura Ciudad de Almería (Almería 2014)
1º Premio II Certamen Nacional de Pintura Villa de San Javier. ( Murcia 2013)
1º Premio XII Concurso de Pintura al aire libre Los Martínez del Puerto. (Murcia 2013)
1º Premio XIV Concurso de Pintura Concejalía de Igualdad, Ayuntamiento de Molina de Segura.( Murcia 2013) , entre muchos otros.

Sus gustos:
Un libro: “Batman, el regreso del caballero oscuro”, un cómic de Frank Miller.
Un grupo de música: Whitesnake .
Un disco: “Master of puppets” de Metallica.
Una canción: “Necesito droga y amor” de Extremoduro.
Una película: “La lista de Schindler” (Steven Spielberg, 1993)
Un hobby: Disfrutar la vida
www.facebook.com/carlos.monterogil.1
www.carlosmonterogil.blogspot.com

Andrey Samartsev: ¡De atar!

Atar está de moda en ciertas manifestaciones culturales. Una pizca de amor a la esclavitud y crueldad, otra de sadomasoquismo, que tanto nos gusta, (¡confiensen!) más una buena propuesta estética como la del fotógrafo Andrey Samartsev ayuda a que el dolor y abuso sexual también puedan entenderse como temática en el arte.

El fotógrafo

Ver también artículo de Anfibia